Jak filmaři pomáhají divákům milovat jejich filmy
Biograf / / December 30, 2020
Při diskuzi o kině lidé nejčastěji hovoří o zápletce a herectví. Samozřejmě jsou to důležité součásti každého filmu. Ale stane se, že nemůžete odtrhnout oči od obrazu, i když se akce vyvíjí velmi pomalu a další příběh se navzdory mnoha událostem rychle nudí. Některým autorům se podaří přimět diváka věřit ve ty nejúžasnější obraty, zatímco jiní dělají i skutečné situace, jako jsou hračky. A je hezké sledovat některé pásky, zatímco jiné jsou tvrdé.
Jde o to, že kromě zápletky a herců existuje mnoho zajímavých technických triků, pomocí nichž režiséři pomáhají divákovi cítit akci a užít si to, co se děje na obrazovce. Tyto jemnosti si možná ani nevšimnete, ale stále velmi ovlivňují vnímání obrazu.
Barevné spektrum
První věcí, kterou si všimnete, je, že barvy ve filmech často nejsou vůbec stejné jako v reálném životě. Může to být zcela zřejmé (například pokud je obrázek černobílý), nebo si to neuvědomujete okamžitě. Ale to není náhoda.
Vytvořte atmosféru
Pomocí barev můžete lépe vyjádřit atmosféru toho, co se děje, vytvořit náladu pro diváka a dokonce ukázat pocity samotných postav.
Vezměte si například populární franšízu „X-Men». V hlavní sérii filmů se jasný a bohatý obraz podobá komiksu. A na rozdíl od nich v noir „Logan“, kde hovoří o stáří a únavě hrdiny, jsou vybrány světlejší tóny.
Ve filmu „Mad Max: Fury Road“ se většina akce odehrává v horké pouštní oblasti. Je logické, že snímek byl natočen ve žlutooranžových odstínech, díky nimž pocítíte spalující slunce a sucho.
Pro přehlednost můžete pořídit rámeček a změnit barevné schéma. Okamžitě se bude zdát, že se ochladilo.
Chcete-li vytvořit kontrastní obraz, moderní trháky a obecně masové kino jsou vyrobeny více modré a oranžové.
A tady je slavný Wes Anderson miluje měkkou růžovou paletu. Dodává divákovi pocit starého romantického filmu. A všechno, co se stane, je vnímáno klidněji a snadněji.
Když chtějí vytvořit atmosféru budoucnosti a fantazie, také často zčervenají. A milují zejména neonové barvy, které jsou v hlavě diváka pevně spojeny s cyberpunkem a technologií.
Netřeba dodávat, že autoři hororové filmy raději tmavé barvy. Má to několik důvodů. Toto je samozřejmě částečně způsob čerpání atmosféry. Mnoho lidí se už temnoty bojí a v hororových filmech se v ní skrývají také příšery.
Tmavý obrázek navíc umožňuje mírně skrýt nedostatky v grafice nebo make-upu a ušetřit na produkci. Je pravda, že v tom existuje nebezpečí: pokud příliš zatemníte rámeček, pak divák nemusí jednoduše vidět, co se děje na obrazovce, zejména ve špatném kině nebo ve staré televizi. Tak tomu bylo například ve filmu Slenderman z roku 2018.
Ačkoli někteří původní režiséři mohou hrát v kontrastu. Například Ari Astaire v „Slunovrat„Ukázal typickou atmosféru hororového filmu: hrdinové se ocitli v izolované vesnici, kde se dějí hrozné věci.
Ale zároveň je obraz velmi jasný, nejsou v něm téměř žádné tmavé scény a oblečení hrdinů je sněhově bílé. A díky tomu je to ještě strašnější, protože před hrůzou se není kam schovat.
Čtení nyní🔥
- Top 25 televizních seriálů z roku 2020
Oddělování částí pozemku
Jeden film může mít několik různých barevných filtrů. Používají se k jasnějšímu dělení dějů. A se správným talentem tento přístup pomáhá rozjasnit obraz.
Skvělým příkladem je „Matice». Logo této pásky bylo vyrobeno se zelenými kódovými symboly, které označují program, ve kterém lidé žijí. Proto bylo vše, co se děje ve virtuálním světě, natočeno přes nazelenalý filtr. A skutečné události jsou zobrazeny modře.
A teprve na konci třetí části, když lidé a stroje uzavřou mírovou dohodu, se v rámečku objeví současně čistě modrá a zelená barva.
Ve filmu Christopher Nolan Postavy „začínající“ přecházejí ze skutečného světa do snu, poté do snu ve snu atd. Pro jasnější oddělení „vrstev“ zvolil režisér pro každou z nich vlastní barevné schéma.
Na první úrovni spánku je vše natočeno v modré paletě, druhá je žlutá, třetí bílá. A až v posledním snu se všechny odstíny spojí znovu, jako ve skutečném světě.
V Blade Runner 2049 Denis Villeneuve různé barvy odrážely jak umístění, tak vnitřní stav protagonisty.
Všechno to začíná tím, že se postava Ryana Goslinga potuluje v mlze, poté prochází rozpálenou oranžovou pouští, neonovým futurismem a noční povodní. A příběh končí na sněhově bílém pozadí, odrážející klid a očistu.
Odmítnutí barvy
Kdysi byly všechny filmy Černý a bílý. Jednoduše proto, že nevěděli, jak střílet jinak, a bylo možné barvit rámečky pouze ručně. Pak přišly barevné filmy a kinematografie se stala mnohem realističtější.
Černobílá fotografie ale zároveň není úplně minulostí. Stále se používají pro umělecké účely. Například vymezit různé světy nebo děje.
Takže v Čarodějovi ze země Oz v roce 1939 se barva objeví, když Dolly vstoupí do světa pohádek.
Ve filmu „Stalker“ od Andrey Tarkovského chybí barvy i v běžném životě hrdinů. A když se postavy dostanou do mystické „Zóny“, svět se rozzáří - právě zde se lidé skutečně odhalí.
Nebo úplně stejný Christopher Nolan na kazetě „Remember“ ukázal jednu část akce v přímém pořadí a druhou - v opačném pořadí. Polovina filmu je proto natočena barevně a druhá černobíle.
Černobílý obrázek navíc umožňuje živější zvýraznění určitých detailů jednoduchým přidáním barev. Poprvé to udělal Sergej Eisenstein, když ručně namaloval vlajku v bitevní lodi Potemkin v roce 1925.
Následně byla tato technika použita v úplně jiných žánrech. V "Schindlerově seznamu" Steven Spielberg vzhled dívky v červeném kabátě se stává jedním z nejemotivnějších okamžiků.
A dokonce i v komiksovém filmu Sin City se tento přístup používá opakovaně, s důrazem na červenou rtěnku, jasné oči nebo krev.
Konstrukce rámu
Pravidlo třetin
Jedním ze základních principů kina i filmu fotografování. Je to něco jako zjednodušené pravidlo „zlatého řezu“.
Je to jednoduché: při fotografování je obrazovka rozdělena na tři části svisle a vodorovně. Nejdůležitější prvky pro pozemek by měly být umístěny na těchto čarách a také na jejich průsečíku. To divákovi usnadní soustředit se na požadované body.
Umístěte na čtverec
Pokud podmíněně rozdělíte rámeček na polovinu nebo na čtyři stejné části, můžete diváka přimět, aby bez slov pochopil, jaké místo postava v příběhu zaujímá.
Tato technika je nejjasněji vidět na pásku „Drive“ Nicholas Winding Refna. Pokud je například tvář hlavního hrdiny zobrazena v levém horním rohu a v dalším rámečku se objeví další znak na stejném místě, znamená to, že postavy budou soupeři.
Stejný Refn může navíc vyprávět dva příběhy paralelně: v horní a dolní části obrazovky nebo v levé a pravé polovině. Divák si tento pohyb nemusí všimnout, ale vnímání postav bude stále úplnější. Navíc je to prostě krásné.
Symetrie
Další psychologická a estetická technika současně. Záběry, kde levá polovina odráží pravou polovinu, se často dělají jen pro krásu.
Někdy ale vyjadřují odpor postav. A pokud se hrdina podívá do zrcadla, ukáže to jeho temnou stránku nebo rozdíl mezi sny a realitou. Stručně řečeno, každá alegorie, na kterou si člověk může vzpomenout na úvahy.
Holandský roh
Ukázat nestabilitu hlavní hrdina, jeho pochybnosti o něčem nebo problémy s pamětí, používají velmi vizuální techniku. Holandský úhel znamená, že kamera nefotí přímo, ale nakloněná. Mnoho příkladů tohoto přístupu lze nalézt ve filmech Dannyho Boylea.
Divák není zvyklý dívat se na obraz z úhlu, takže lépe vnímá nepohodlný stav postavy.
Je však důležité toto opatření dodržovat. Například katastrofický film „Battlefield: Earth“ byl natočen úplně pod úhlem. Ale za hodinu a půl bude mít divák s největší pravděpodobností jen bolavý krk.
Střelba zespodu a seshora
Další z jednoduchých, ale účinných technik, která vám umožní zprostředkovat pocit hrdinů. Můžete například ukázat, kdo je pánem situace. A pak pásky okamžitě přijdou na mysl Quentin Tarantinokde postavy hledí dolů do kufru.
Při střelbě shora máte pocit, že se hrdina cítí nejistě. Takto vtipně to hráli na slavné scéně z filmu „O čem muži mluví“, kde se postava Kamila Larina jako dítě omlouvá vrátnému v drahé restauraci:
Dialog a pohyb
Akce na pozadí
Technika, která se nejčastěji používá v komedii nebo hororu. V popředí se nic zajímavého neděje. A to nejdůležitější se odehrává na pozadí, které lze ztmavit nebo rozmazat.
Například hlavní postava filmu „Zombie jménem Sean„jde do obchodu. Všechno je pro něj velmi pozemské. A v pozadí je skutečná apokalypsa:
V závislosti na žánru a prezentaci to může vyvolat buď velmi zábavný efekt, nebo napětí - v hororových filmech se tak často skryjí hlavní křičící.
Konverzace v pohybu
Nejběžnějším typem dialogu ve filmech je, že postavy sedí a chatují. V tomto případě fotoaparát tradičně přepíná mezi tvářemi.
Pokud ale scéna bude příliš dlouhá, pak divák unavte se neustálým opakováním stejných úhlů. Dobří režiséři proto nastavení těchto scén doplňují nebo mění.
Ve filmech Quentina Tarantina tedy postavy mluví téměř neustále. Ale pán vás nenechá nudit, protože dialogy mohou probíhat za jízdy. Vzhledem k neustálému měnícímu se pozadí se akce nezdá monotónní.
A i když jsou postavy ve stejné místnosti, kamera se nejen přepíná. Může se kolem nich pohybovat a vytvářet tak efekt přítomnosti a dokonce i účasti na konverzaci. Téměř všechny postavy lze vidět bez zbytečných úprav.
Nicholas Winding Refn dokáže použít již zmíněnou hru s barvou a odrazem v jednoduché konverzaci. V Drive vypadá první dialog protagonistů velmi jednoduše.
Ale v tu samou dobu postava Ryan Gosling je vždy na modrém pozadí (toto barevné schéma ho doprovází celým filmem). A hrdinka Carey Mulliganová stojí u oranžových stěn. A to ukazuje, že je něco odděluje, i když jsou si blízcí.
Pravidlo 180 stupňů
Během natáčení je ještě jeden důležitý bod. Pokud při změně úhlu posunete fotoaparát o více než 180 stupňů, divák bude zmatený. Například, když hrdina běží, bude se zdát, že se otočí a bude se pohybovat opačným směrem.
A to je stejně důležité i během dialogů. Aby nevznikl dojem, že se všichni v rámečku náhle pohnuli, zvolí operátor a režisér určitou linii, za kterou by kamera neměla jít.
Je zvědavé, že úmyslné porušení tohoto pravidla lze použít pouze k tomu, aby diváka zmátl, aby ukázal zmatek hrdiny. A s patřičnou představivostí vytvářejí autoři neobvyklejší scény. Například konverzace Glum Se mnou. Postava je jednoduše zobrazena z různých stran, ale to vytváří efekt, že jsou dva reproduktory a jsou v dialogu.
Instalační funkce
Úpravy vám umožní udělat akci filmu dynamičtější, „přeskočit“ nudné okamžiky života a umožnit vám podívat se na to, co se děje, z různých úhlů pohledu. Jeho nejjednodušší forma je vyprávění. To znamená, že události v rámci se odehrávají jeden po druhém. To bylo nejjasněji vysvětleno v Muž z Boulevard des Capuchins.
Události filmu však můžete ukázat jiným způsobem a k tomu používají různé techniky.
Paralelní instalace
Na rozdíl od sekvenčního vyprávění někdy autoři chtějí, aby diváci viděli, co se děje ve stejnou dobu na různých místech. A pak ředitelé viz paralelní zapojení.
Díky tomu je děj ještě bohatší. Je však nutná opatrnost. Koneckonců, pokud střídavě zobrazujete scény, které se vyskytují současně, můžete mít dojem, že každá z nich vydrží déle.
Výrazným příkladem neúspěšných paralelních úprav je „Fast and Furious 6“. Hrdinové se pokusí o útěk v letadle, které jede po dráze, auta je pronásledují a uvnitř lodi se bojuje.
Autoři demonstrují tolik událostí najednou, že na obrazovce se zdá, že letadlo zrychluje po dobu nejméně 15 minut. Není nutné říkat, že to zabíjí veškerý realismus situace?
Christopher Nolan je naproti tomu považován za mistra paralelní editace. Režisér to používá v mnoha svých dílech, ale nejlepším příkladem je Inception. Události na různých úrovních spánku se vyskytují současně a různou rychlostí (v hlubším spánku se čas pohybuje pomaleji).
Zde je do akce přidáno již zmíněné oddělení barev a divák se nenechá zmást tím, co se děje, ale uvědomuje si celou globálnost událostí.
Mimochodem, je zajímavé, že ve filmu „Dunkirk“ je Nolan s touto technikou ještě vtipnější. Souběžně ukazuje události odehrávající se na souši, ve vodě a ve vzduchu. Ve skutečnosti je chronologie úplně jiná a vše se sbíhá až ve finále.
Flashbacky a Flash Forwards
Autoři někdy vkládají své vzpomínky z minulosti - flashbacky - do lineárního příběhu postav. Mohou to být velmi krátké záblesky několika sekund nebo celé dějové linie.
Velký milovník takových okamžiků - Jean-Marc Vallee. Dodává tedy napětí zdánlivě klidným scénám. Nebo dává jasně najevo, že postava někoho klame: říká jednu věc, ale v jeho vzpomínkách se objevuje něco úplně jiného.
Není těžké uhodnout, že flashforwards jsou stejné příběhy, ale z budoucnosti. Používají se méně často, obvykle ve sci-fi nebo mystických příbězích. Na takové technice dokonce postavili celou sérii, kde během určitého zatmění viděl každý člověk nějaký okamžik ze svého budoucnost.
A dále v průběhu spiknutí se každý snaží zjistit důvody toho, co se stalo, a pochopit význam svých vizí. Série byla pojmenována tak: Flashforward (v ruském překladu - „Pamatujte, co se stane“). Je pravda, že vydržel jen jednu sezónu.
Jump-cut
Tato technika již platí pro lineární úpravy. Znamená to ostrý přechod mezi záběry. Používají to pro úplně jiné účely.
V Malom obchodě hrůz Franka Oza tato montáž pomáhá ukázat dlouhý a nudný čas.
Ale Lars von Trier, který ve svých pracích také často používá skok, zprostředkuje tímto způsobem emoční stres a psychologickou nestabilitu postav. Při takovém fotografování je obraz „nervóznější“. Na pásku „Idioti“ je to velmi vhodné:
Úpravy ve tvaru a zvuku
Aby různé události ve filmu mohly být vnímány jako vzájemné pokračování, autoři často používají vizuální náhody. To znamená, že obrysy nějakého objektu v jednom rámci se opakují v dalším. A někdy to může vypadat velmi vtipně.
Stejným způsobem můžete diváka „zavěsit“ zvukem. Křik pokračuje píšťalkou parníku a průmyslový rachot je nahrazen hudba stejným tempem. Nebo se syčení poškozené trubky změní na praskání pečeného masa.
Zvuk může být navíc mírně vpředu nebo za tím, co je zobrazeno na obrazovce. Děje se tak, aby byly scény propojenější. To znamená, že divák stále slyší řeč a šelest z předchozího snímku, ale akce se již změnila. Nebo naopak.
Nedostatek instalace
Jedná se o odvážný krok: režiséři natáčejí dlouhé scény, aniž by je vůbec museli upravovat, nebo to různými způsoby skrývají.
Díky tomu je to, co se děje na obrazovce, realističtější a dává divákovi pocit tempa samotného příběhu. Tento přístup ale samozřejmě vyžaduje mnohem více zkoušek a investic. Koneckonců, během zpracování můžete vyříznout neúspěšné maličkosti.
Takže Joe Wright ve filmu „Usmíření“ ukázal pětiminutovou scénu s evakuací vojsk z Dunkirku během Druhá světová válka. Dav zahrnoval 1300 lidí, zařízení se pohybovalo v rámu a výbuchy se vyskytovaly v pozadí. Právě tento přístup zprostředkovává veškerou temnotu a chaos toho, co se děje.
Moderní technologie umožňují přesněji zvládnout instalaci. A to pomohlo Alejandrovi Gonzalezovi Iñárritovi zastřelit Birdmana. V něm si ani okamžitě nevšimnete, že se celá akce zobrazuje v jednom souvislém snímku.
Ve skutečnosti je tam montáž, ale skrytá. Lepidla se vytvářejí, když kamera prochází nějakým temným prvkem.
A „ruská archa“ Alexandra Sokurova vypadá ještě silněji. Akce se odehrává v Ermitáži a režisér dostal jeden den k natáčení. Proto se rozhodl pořídit snímek bez lepení.
Trvalo sedm měsíců zkoušek s 800 doplňky. Výsledkem je, že od třetího záběru natočili celý film v délce 1 hodiny a 27 minut.
Ve skutečnosti existuje mnohem více takových jemností. Ale mnoho z nich již vyžaduje hluboké znalosti režie a kinematografie. Jedná se pouze o jednoduché příklady, které lze vidět v mnoha filmech. A když se podíváte na další obrázek, určitě vás zasáhne „holandský roh“ nebo dlouhý rámeček bez úprav. Ale to nezlomí kouzlo kinematografienaopak, bude sledování ještě zajímavější.
Přečtěte si také🎬
- 6 tipů pro zachycení dechberoucích akčních kamer
- 12 slavných filmových známek, které diváky zavádějí
- Jak natáčí Xavier Dolan - jeden z nejslibnějších mladých režisérů
- Světy Davida Lynche: jak režisér vytváří filmy s jedinečnou magnetickou atmosférou
- Paolo Sorrentino: jak autor snímků „Velká kráska“ a „Mladý papež“ fotí